Música Erudita

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MÚSICA ERUDITA

Fonte: http://pzaine.sites.uol.com.br/mus.htm#h

 

 

  • O Modernismo na música clássica.

Europa
Dodecafonismo – As primeiras experiências dodecafônicas realizadas por Arnold Shoemberg, na década de 20, são suas Cinco peças para piano, op. 23, e Suíte para piano, op. 25. Nessas peças Shoemberg elabora um sistema de composição em que dispõe, segundo suas necessidades composicionais, as 12 notas em uma determinada ordem (a série dodecafônica), que deve ser respeitada ao longo da peça. Isso garante a unidade dos elementos utilizados dentro da composição atonal.
Serialismo – A prática dodecafônica, assumida por dois de seus alunos, Anton von Webern (1883-1945) e Alban Berg (1885-1935), assume diversas faces. O romantismo atonal de Berg em suas óperas Wozzek e Lulu, e o pontilhismo de Webern – inexistência de melodia, com sons pontilhados no silêncio – são considerados marcos na música do século XX. No pontilhismo, Webern isola cada uma das notas da série dodecafônica, evitando assim qualquer relação harmônica entre elas. Outra importante contribuição de Webern, que também tem a influência forte de Schoemberg, é a expansão da idéia de melodia de timbres: uma melodia pode ser criada não apenas mudando-se as notas, mas também mudando-se os timbres. Nesse sentido ele reinstrumenta uma obra de Johann Sebastian Bach (o cânon a seis vozes da Oferenda musical), na qual a melodia de Bach alcança os mais diversos instrumentos da orquestra. A textura pontilhista e a melodia de timbres tornam-se um fascínio entre os compositores mais jovens, que então expandem a idéia de série para os ritmos, para os timbres, para as intensidades, desenvolvendo o serialismo integral.
Arnold Schoemberg (1874-1951) nasce em Viena, onde passa grande parte da sua vida até instalar-se em Berlim. Autodidata, acumula grande erudição musical. É convocado para o serviço militar durante a 1a Guerra e reduz sua atividade como compositor. A escada de Jacob, iniciada em 1917, só é finalizada em 1922. Nessa fase elabora o método de composição dodecafônica. Em 1933, muda-se para Boston e, em seguida, para Los Angeles, nos Estados Unidos, fugindo das perseguições do nazismo. Além de grande compositor, destaca-se como professor e como teórico.
Neoclassicismo – Em sentido oposto à trajetória progressista de Shoemberg, o compositor Igor Stravinski busca os ritmos marcados e repetitivos das músicas rituais populares. Suas primeiras obras de impacto são os balés O pássaro de fogo, de 1910, Petrouchka, de 1911, e A sagração da primavera, de 1913. Assim como as obras de Debussy, têm forte influência sobre as escolas nacionais que perduram nessa época. De caráter marcante, Stravinski e sua música traçam os rumos da música atonal não-dodecafônica, fundando, em 1918, o neoclassicismo na música. Utiliza melodias extraídas do passado medieval e renascentista, de cantos populares e do jazz americano, que se misturam a um atonalismo repleto de dissonâncias. São dessa época A história de um soldado (1918) e As bodas (1923). Seguem esse caminho, entre outros, Paul Hindmith (1895-1963) e diversos compositores franceses.
Igor Stravinski (1882-1971) nasce em Oranienbaum, perto de São Petersburgo, na Rússia. Embora seu pai fosse músico, foi educado para seguir a advocacia, mantendo paralelamente seus estudos musicais. Aos 20 anos, passa a ter aulas com Rimski-Korsakov. O sucesso vem cedo na vida de Stravinski. Em 1910, Sergei Diaguilev, empresário do Balé Russo, encomenda o primeiro de uma série de balés, Pássaro de fogo. De 1920 a 1939, vive na França. Durante a 2a Guerra muda-se para os Estados Unidos e se torna cidadão americano em 1945. Entre seus discípulos americanos, destaca-se o compositor e regente Robert Craft.
América
Mesmo distante do centro das revoluções musicais do século, desenvolve-se na América uma nova música que tem como referência a obra inovadora de Claude Debussy. Os principais representantes desse movimento são os compositores norte-americano Charles Edward Ives (1874-1955) e brasileiro Heitor Villa-Lobos (1887-1959), que servem de modelos composicionais no continente, até o pós-guerra. Ambos encontram na harmonia atonal livre novas formas musicais para exprimir suas idéias.
Estados Unidos – De modo bastante radical e pioneiro, Charles Ives faz uso de intervalos microtonais menores do que o meio-tom entre as notas de uma escala cromática e também dos clusters, cachos de notas que tendem ao ruído, tocados com as palmas das mãos, ou mesmo com o antebraço, sobre as teclas do piano. Sua obra exerce influência direta sobre Henry Cowell, definindo uma nova vertente para a música norte-americana.
Brasil – Villa-Lobos utiliza combinações instrumentais inusitadas, como em seu Choro no 7, onde o clarinete deve ser tocado como se fosse um trompete, sem a boquilha, ou ainda em sua Suíte Sugestina, de 1929, onde três metrônomos – instrumento mecânico utilizado para marcar o andamento musical – são usados como instrumentos de percussão. Bastante admirado por compositores europeus, especialmente pelos franceses Darius Milhaud (1892-1974), Olivier Messiaen (1908-1992) e Edgard Varese (1885-1965), permanece como um dos marcos da música brasileira.

 

 

  • Música clássica contemporânea

Serialismo integral – Decorre diretamente do serialismo de Webern, da música de Olivier Messiaen (1908-1992) e do italiano Luigi Dallapicolla (1904-1975). Consiste em um sistema em que são acrescentadas à série de alturas uma série de durações, uma série de intensidades e uma série de timbres. A idéia do serialismo serve também para a organização de séries de 23 notas (incluídos os microtons), ou séries de sons sem alturas definidas, como é feito na música eletrônica e na música para percussão. O desenvolvimento do serialismo integral se deve aos compositores Karel Goeyvaerts (1823-1993), Pierre Boulez (1925), Karlheinz Stockhausen (1928) e Henry Pousseur (1929), dentre outros que, na década de 50, fundam os festivais de verão de Darmstadt, Alemanha.
Pierre Boulez (1925-) nasce em Montbrisson, França. Estuda composição em Paris, com Olivier Messiaen e René Leibowitz, entre 1946 e 1956. Lidera o movimento da música de vanguarda francesa. Funda, em 1975, o Instituto de Pesquisas Científicas e Musicais (IRCAM), responsável pelo desenvolvimento de tecnologias musicais, que aglutina hoje os principais pesquisadores em música eletrônica. Entre suas peças destaca-se o Marteaux sans maitre (O martelo sem mestre).
Música concreta e música eletrônica – Surgem no início da década de 50, entre compositores franceses e alemães que atuam junto a emissoras de rádio. O grupo francês é liderado por Pierre Schaeffer (1920-1984), ligado ao rádio e televisão francesa (ORTF), e se dedica à música concreta. Realiza composições a partir de fitas de sons cotidianos pré-gravadas, recortadas e remontadas diversas vezes até atingir o efeito desejado. A música eletrônica surge junto ao estúdio da rádio de Colônia, na Alemanha, criada por um grupo liderado por Herbert Eimert, onde atuam Stokhausen, Luciano Berio (1926), Gyorgy Ligeti (1923) e compositores do grupo de Darmstadt. O objetivo é realizar a síntese do som a partir dos recursos eletrônicos de uma emissora de rádio, dentro dos procedimentos do serialismo.
Karlheinz Stockhausen (1928-) nasce em Colônia, na Alemanha, e inicia sua formação musical em 1947. Realiza, em 1951, seu Primeiro estudo eletrônico, no estúdio da rádio de Colônia. Entre 1952 e 1953, estuda no Conservatório de Paris, com Olivier Messiaen e Pierre Schaeffer. Atravessa diversas fases: serialismo integral, música eletrônica, música aleatória e, por fim, a música de natureza mística, que vem pautando sua produção desde a década de 70. Destacam-se obras recentes: Os sete dias de semana, Stimmung e Mantra, baseadas na filosofia hindu.
Música aleatória– Surge nos Estados Unidos e na Europa como a música feita pelo acaso. Tem antecedentes em uma peça de Mozart (século XVIII), que abre espaço para que o intérprete escolha ao acaso a seqüência das notas e ritmo e, mais recentemente, no jazz americano, também fruto da improvisação. O aleatório é levado ao extremo pelo americano John Cage (1912-1993) e pelos compositores da escola de Darmstadt, como Stockhausen, Luciano Berio e Boulez. Cage propõe que se combinem aleatoriamente gravações recolhidas na rua ou no rádio, em sua peça Fontana mix. Em Imaginary landscape, dispõe cada um dos elementos da composição (o tempo, as durações, os sons, as intensidades) em cartelas que deverão ser recombinadas pelo intérprete de acordo com o conjunto de linhas lido em hexagramas sorteados no I Ching, o livro da mutações. Stockhausen, em Klavierstuk IX (Peça para piano IX) e Stimmung para oito cantores dispõe em suas partituras passagens que o intérprete reordena segundo sua vontade. Em Musik fur eine haus (Música para uma casa) o público passeia por diversas salas de uma casa onde, em cada sala, se desenvolve uma música.
Teatro musical – É herdeiro da ópera e da música de cabaré do entreguerras e se expressa na música de Kurt Weill. Entre os compositores de teatro musical, destacam-se o argentino radicado na Alemanha Maurício Kagel (1931) e Hans Werner Henze (1926). Suas obras refletem engajamento político, tecendo críticas aos valores burgueses. Outros compositores, como John Cage, seu aluno La Monte Young (1935) e integrantes do grupo de Darmstadt realizam alguns trabalhos com características do teatro musical.
Ecletismo – Conquistas da música do século XX, como o serialismo, a música eletrônica, a aleatória, o teatro musical e o concretismo, se desgastam, levando compositores europeus a incorporar elementos de culturas não-ocidentais como a hindu, a chinesa ou a africana. Entre eles Stokhausen, Ligeti, e o italiano Luciano Berio, que incorpora à sua técnica composicional elementos da música polifônica dos povos da África Central, como em sua composição Coro. Entre os compositores que se voltam à música tonal e modal estão os minimalistas americanos Phillip Glass (1937), Terry Riley (1935), Steve Reich (1936). Suas músicas não se destinam exclusivamente às salas de concerto, mas estão presentes no cinema, como as trilhas de Koyanisqaatsi e Mishima, de Phillip Glass .
Luciano Berio(1925-) inicia sua carreira ao lado de K. Stokhausen, Boulez e Bruno Maderna. Em 1953 funda, em Milão, o Estúdio de Fonologia. Muda-se para os Estados Unidos, em 1967, de onde é extraditado sob acusação de atividade antiamericana. Em Paris, dirige o centro de eletroacústica do Instituto de Pesquisas Científicas e Musicais (IRCAM), de 1974 a 1980. Suas obras mais conhecidas são: a Sinfonia, uma grande colagem de diversos materiais sonoros, em homenagem ao líder negro Martin Luther King, e as Folk songs, canções populares com arranjos vanguardistas da música de concerto.
NOVA GERAÇÃO
Atualmente uma série de novos movimentos convivem com práticas remanescentes da música do pós-guerra. Destacam-se:
Nova simplicidade – Defendida pelo alemão Wolfgang Rihm (1952), visa uma estética da liberdade da arte, propondo uma música com ausência de dificuldades, livrando-se da carga histórica.
Nova complexidade – Resgata a importância estrutural do serialismo integral, em uma música que expressa a complexidade e multiplicidade do homem atual. O principal compositor dessa corrente é o inglês Brian Ferneyhough (1943).
Música espectral – Tem seu centro na França, liderada por Tristan Murail (1947), Michael Levinas (1949) e Gerard Grisey (1946). A música surge a partir do estudo de espectros sonoros de instrumentos e sons cotidianos com auxílio de recursos da eletrônica e informática.
Multi-music – É o caminho seguido nos Estados Unidos por Meredith Monk e Joan La Barbara, que trabalham misturando recursos audiovisuais como vídeo, teatro, dança etc.
Música e política – Tendo por base o envolvimento do compositor com diversas causas sociais, compositores de variadas tendências têm se dedicado a uma música engajada, como o alemão Helmut Lachenman (1935) e o brasileiro Willy Correa de Oliveira (1938).
Computer-music – Utiliza recursos da informática na síntese sonora, nos cálculos de estruturas musicais e nas transformações de informação numérica em informação sonora, além de simulações diversas.
 

 

  • Música erudita no Brasil

A mais remota referência à música no Brasil encontra-se na carta de Pero Vaz de Caminha, que relata ao rei de Portugal a musicalidade dos nativos. Outras referências aparecem nas anotações do padre Manoel da Nóbrega que chega ao Brasil com os primeiros jesuítas, a partir de 1549, mencionando a música de catequese realizada, em geral, a partir de melodias gregorianas. Os primeiros registros de partituras são de 1557: melodias indígenas anotadas pela tripulação de Jean de Lery.
Barroco
A música do período barroco no Brasil compreende uma larga faixa de gêneros praticados no século XVIII. Dentre as escolas de composição destacam-se as do Recife, Bahia e Minas Gerais.
Bahia – A música renascentista e os antigos organuns medievais servem de modelo à produção da época. A música instrumental começa a ser registrada no século XVI, geralmente por compositores europeus em atividade no país. Na Bahia, encontram-se referências ao padre Pedro da Fonseca, primeiro organista da Sé de Salvador, em 1559. A partitura mais remota, de 1759, é um Recitativo e ária, de autoria desconhecida, com texto cantado em português.
Recife – Há documentos no Recife relativos à atuação dos compositores Inácio Ribeiro Nóia (1688-1773) e Luís Álvares Pinto (1719-1789), este descendente de mulatos, cuja obra encontra-se documentada, como seu Te Deum laudamos.
Minas Gerais – Compositores brasileiros que atuavam nas cidades mineiras de Diamantina, Ouro Preto e Tiradentes, no século XVIII, em sua maioria mulatos, deixam a produção mais bem documentada da época. O barroco mineiro se inspira nas óperas napolitanas de compositores como Davide Perez e Jommeli e na música religiosa portuguesa de caráter polifônico, do início do barroco europeu. Entre seus principais compositores estão José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, Marcos Coelho Neto, Inácio Parreira Neves e Manoel Dias de Oliveira.
José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita (1746-1805) nasce em Serro Frio, perto da atual Diamantina, filho de um português e uma escrava liberta, Joaquina Emerenciana. É organista, compositor e professor de música. Em 1789, torna-se alferes. Muda-se para o Rio de Janeiro, em 1801, atuando como organista. Entre suas obras de importância estão a Missa em fá e o Ofício das violetas, escrito para uma orquestra sem violinos.
São Paulo – Embora em menor quantidade, são encontradas obras paulistas do século XVIII. O compositor André da Silva Gomes (Lisboa 1752-S. Paulo 1823) é seu principal representante.
Música na Corte – No final do século XVIII, o carioca José Maurício Nunes Garcia domina uma linguagem composicional própria, com uma riqueza harmônica comparável aos padrões europeus da época. É professor de Francisco Manuel da Silva, autor do Hino Nacional Brasileiro e primeiro diretor do Conservatório do Rio de Janeiro. A chegada da missão cultural, trazida por dom João VI, em 1816, agita o ambiente musical na Corte. O compositor austríaco Sigismund Neukomm (1778-1858) traz a música de Haydn, de quem é o discípulo favorito. A ópera napolitana é representada pelo compositor da metrópole Marcos Portugal (1762-1830).
José Maurício Nunes Garcia (1762-1830) nasce no Rio de Janeiro, filho de mulatos. Inicia cedo os estudos de música e em 1792 ordena-se padre. Em 1798, torna-se mestre-capela e professor de música da catedral da Sé do Rio de Janeiro e, em 1808, mestre de música da Capela Real. Destaca-se como compositor e regente, sendo responsável pela estréia do Réquiem de Mozart, em 1819, e da Criação de Haydn, em 1821. De sua obra são conhecidas cerca de 400 peças, destacando-se sua Abertura em ré maior, talvez a primeira grande sinfonia brasileira, a ópera Zemira e a Missa de réquiem, de 1816.
Romantismo
O romantismo no Brasil é basicamente importado da França e inicia-se após a independência. Nessa época, são encenadas diversas óperas no Imperial Teatro de São Pedro de Alcântara, destruído por um incêndio em 1851, e substituído pelo Teatro Provisório, em 1854. Francisco Manuel da Silva funda, em 1833, a Sociedade Beneficência Musical, que promove concertos. Em 1834 é criada a Sociedade Filarmônica do Rio de Janeiro.
Ópera nacional – O fato mais importante do romantismo brasileiro é a criação de uma ópera nacional. Os principais representantes são os compositores Antonio Carlos Gomes e Elias Álvares Lobo (1834-1901), auxiliados por libretistas como Machado de Assis e José de Alencar. Em 1861, estréia Joana de Flandres, de Carlos Gomes, com texto em português totalmente mutilado pelos cantores italianos que a apresentam. O movimento progressivamente perde força e uma última ópera é apresentada nesse período: O vagabundo, de Henrique Alves de Mesquita.
Antonio Carlos Gomes (1836-1896) nasce em Campinas, São Paulo, filho de Maneco Gomes, músico e regente da banda local. Em 1859, foge de casa para estudar música no Rio de Janeiro. É matriculado no Conservatório de Música do Rio de Janeiro, por ordem do imperador, onde estuda com professores italianos. Em 1860 torna-se preparador de óperas na Imperial Academia de Música e Ópera Nacional. A partir de 1863 parte para estudos em Milão. Adquire notoriedade na Itália, onde compõe as óperas Il Guarany, Fosca, Maria Tudor, Lo schiavo, O condor e o oratório Colombo. Em 1895, volta ao Brasil e torna-se diretor do Conservatório Musical de Belém do Pará.
Folclorismo – Ainda voltados para os padrões europeus estão os compositores Glauco Velasquez (1884-1914), seguidor do cromatismo francês, Henrique Oswald (1852-1931), adepto do impressionismo, e Leopoldo Miguez (1850-1902), seguidor do cromatismo de Wagner e Liszt.
O caminho para o nacionalismo das primeiras décadas do século XX começa a ser aberto por compositores brasileiros com formação erudita européia, principalmente francesa, representados por Brasílio Itiberê (1846-1913), Luciano Gallet (1893-1931), Alberto Nepomuceno (1864-1920), Francisco Braga (1865-1945) e Alexandre Levy (1864-1892), que se utilizam de temas do folclore brasileiro. A tendência de nacionalização da música erudita brasileira está presente também na dança e na canção urbana de Francisca Hedwiges Gonzaga, a Chiquinha Gonzaga (1847-1935), e Ernesto Nazareth (1863-1934), que produz uma música de harmonia simples e de forte aspecto popular.
Chiquinha Gonzaga (1847-1935), pianista e compositora desde a infância. Em 1885, já famosa por suas peças de caráter dançante, compõe uma opereta, A corte na roça, e inicia uma série de 77 partituras teatrais, como A sertaneja, Juriti, e Maria. Suas composições traduzem, com fidelidade, a ginga, os improvisos e o lirismo das serestas, dos choros e das danças de crioulos.
Modernismo nacionalista
O pleno desenvolvimento do uso de elementos folclóricos é realizado por Heitor Villa-Lobos (1887-1959), cuja obra determina a estética nacionalista brasileira até os dias de hoje. Esse movimento não apenas incorpora elementos das melodias populares e das complexas melodias indígenas, como desenvolve sonoridades típicas, presentes na obra de Villa-Lobos. O canto de pássaros brasileiros, como a araponga, aparece em suas Bachianas 4 e 7; em O trenzinho do caipira reproduz a sonoridade de um trem; no seu Choro 8 busca reproduzir o som de pessoas numa rua. Sua estética espelha uma tendência européia, presente nas obras de Bella Bartok, Stravinsky, Manuel de Falla e, por sua vez, serve de modelo para compositores como Francisco Mignone, Lorenzo Fernandez, Radamés Gnatalli, Mozart Camargo Guarnieri , entre outros. Mesmo após a introdução de elementos da estética dodecafônica no Brasil, diversos compositores figuram em um aparecimento tardio do nacionalismo, como Sérgio de Vasconcelos Correia, Oswaldo Lacerda e Mário Tavares.
Heitor Villa-Lobos (1887-1959) nasce no Rio de Janeiro e começa a tocar violoncelo profissionalmente aos 12 anos. É influenciado por autores populares como Ernesto Nazaré. Viaja pelo país, se interessa pelo folclore brasileiro e compõe obras como Amazonas e Uirapuru. Participa da Semana de Arte Moderna de 1922. Vive na Europa de 1923 a 1930, onde é marcado pelo impressionismo. Entre suas principais obras estão suas Bachianas brasileiras e Choros, onde funde a música do compositor alemão Bach e o chorinho.
No período que se estende da década de 40 até os dias de hoje, a música brasileira vive movimentos de nacionalização e de internacionalização. A introdução do dodecafonismo por H. J. Koellreuter na Bahia, o movimento Música Viva, o Manifesto de 1946, o movimento Música Nova e a música eletrônica marcam o período.
Música viva – Em 1939, ao nacionalismo identificado com a ditadura Vargas opõe-se o Movimento Música Viva, liderado pelo compositor e professor alemão Hans Joachim Koellreuter, introdutor da música dodecafônica no Brasil. Entre seus alunos destacam-se os compositores Claudio Santoro (1919-1989), Guerra Peixe (1914-1993), Eunice Catunda (1915-) e Edino Krieger (1928). Embora com tendência diversa da original, a Escola de Música da Universidade Federal da Bahia é herdeira direta dos Seminários de Música de Salvador, dirigidos por Koellreuter. São seus representantes o compositor Ernest Widmer e seus alunos Lindenberg Cardoso, Rufo Herrera, Jamary de Oliveira e recentemente Fernando Cerqueira (1941) e Paulo Lima (1954).
Manifesto de 1946 – Em 1946, Cláudio Santoro, Guerra Peixe, Eunice Catunda e Edino Krieger assinam o manifesto de 1946, que tem o objetivo de recuperar o trabalho com a música popular brasileira, a partir das ferramentas fornecidas por Koellreuter. Guerra Peixe e Santoro seguem, posteriormente, um caminho mais pessoal, marcado por elementos da música regional, e influenciam a música popular instrumental brasileira. Embora não ligados diretamente ao manifesto, diversos compositores aderem ao uso livre de elementos da tradição brasileira, como Kilza Setti, Ronaldo Miranda, Marlos Nobre, Almeida Prado. Atualmente destacam-se Mariza Rezende (1944), Roberto Victório (1959) e Sergio Rojas (1960).
Claudio Santoro (1919-1989) nasce em Manaus. Atua como violinista até 1938, iniciando-se na composição ao término de seus estudos no Conservatório do Distrito Federal. Em 1940, torna-se aluno de Koellreuter e entra em um período estritamente dodecafônico. Incorpora depois elementos da música folclórica e, por fim, aproxima-se da composição progressista, em obras como Impressões de uma usina de aço e Ode a Stalingrado. Em 1947 estuda com Nadia Boulanger, em Paris.
Música nova – Também de tendência internacionalista é o movimento Música Nova, de 1963, liderado por Gilberto Mendes (1922) e Willy Correa de Oliveira (1938). As peças de Willy, como a série Phantasiestuck, Um movimento vivo, La flamme d’ une chandelle refletem o pensamento dos serialistas da escola de Darmstadt e as idéias dos poetas concretistas Haroldo e Augusto de Campos e Décio Pignatari. Destacam-se ainda Mário Ficarelli (1937), Aylton Escobar e novas gerações de compositores voltados para o teatro musical como Eduardo Álvares (1959), Luiz Carlos Czeko (1945), Carlos Kater (Tim Rescala) (1961) e Tato Taborda (1960). Na música instrumental, destacam-se compositores como Silvio Ferraz (1959), Lívio Tragtemberg (1963) e Eduardo Seincman (1955).
Gilberto Mendes (1922- ) nasce em Santos, São Paulo. Tem contato com a música de Cláudio Santoro e Olivier Toni. Autodidata, é um dos pioneiros da música aleatória e do teatro musical no Brasil. Em 1962, idealiza o festival Música Nova, que até hoje revela compositores. Entre suas peças, destacam-se Santos Football Music, Beba-Coca-Cola, Ulisses em Copacabana. Sua mais recente produção reflete uma tendência para a “nova consonância”, movimento que retoma elementos das músicas tonais e modais.
Música eletrônica
O movimento reflete as tendências da música eletrônica européia e americana e ganha vitalidade, apesar das limitações de infra-estrutura e defasagem com relação aos grandes centros de produção musical. Entre seus compositores estão Jorge Antunes (1942), Conrado Silva e Rodolfo Coelho de Souza (1952). Mais recentemente ganha impulso com a implantação de novos estúdios eletrônicos (Stúdio Panaroma-UNESP-FASM e Laboratório de Linguagens Sonoras, em São Paulo) e a multiplicação de estágios de compositores brasileiros em estúdios da Alemanha, França e Estados Unidos. Destacam-se Flo Menezes (1962), Rodolfo Caesar (1950), Paulo Chagas, Paulo Álvares (1960), Augusto Valente, Aquiles Pantaleão (1965) e José Augusto Mannis (1958).

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